La Política

Siento especial debilidad por el logo de la RKO. La torre de emisiones ocupando toda la parte superior del planeta tierra, con ese cielo oscuro y turbio de fondo, y los inconfundibles pitidos, siempre me recuerda a la expectación de la primera vez que pude ver 'King Kong' o las evocativas pelis de terror psicológico de Jacques Tourneur .

La RKO (Radio-Keith-Orpheum) se constituyó en 1928 como fusión de un grupo productor (la RKO Radio), otro distribuidor (el circuito de cines y teatros KAO), los estudios FBO propiedad de Joseph P. Kennedy (padre del futuro Presidente Kennedy), y los intereses de la Radio Corporation of America (RCA). Este estudio lo tenía todo para ser el más grande, en especial productores sobresalientes, pero le faltó tener un magnate del cine, y vivió siempre en la inestabilidad empresarial.

Davis Sarnoff, director general de la RCA, se convirtió en presidente ejecutivo de la recién constituída RKO, y el primer jefe de producción del estudio fue William LeBaron, que había sido el principal productor de la FBO, cuyos terrenos se utilizaron para la filmación de las primeras pelis. La intención de Sarnoff y LeBaron fue clara desde el principio: producir sólo películas sonoras, empezando por musicales con secuencias en technicolor.

Contrataron a estrellas del cine mudo que habían hecho con éxito la transición al cine sonoro, como Dolores Del Río (que sería la respuesta de la RKO a la Marlene Dietrich de la Paramount), Bebe Daniels, Mary Astor o Ricardo Cortez. Y descubrieron otras nuevas como Irene Dunne o Joel McCrea. El primer éxito de crítica de la RKO fue 'Cimarron' (1931) de Wesley Ruggles, que ganaría el Oscar a la Mejor Película, consolidando a la RKO como uno de los cinco estudios más importantes de Hollywood, aunque el más pobre del Top-5.

Pero las demás producciones del estudio, aparte de 'Cimarron', habían recibido malas críticas y habían sido consideradas de poca calidad. Preocupado por ganar en calidad sin tener que gastar más, en 1931 Sarnoff destituyó a LeBaron y contrató al joven David Selznick (de sólo 29 años) como nuevo jefe de producción. Selznick se mostró como un innovador, sustituyendo el sistema central de producción por un sistema de unidades de producción que otorgaba a los productores de cada película mayor independencia. Así la RKO lograría obtener mayores beneficios tanto económicos como de calidad, y empezar a destacar por su nivel medio de producción.

Selznick descubrió y firmó un contrato largo a una joven actriz que rápidamente se convertiría en la estrella más representativa del estudio en los años 30 en papeles de heroína independiente: Katharine Hepburn. Hepburn sería la primera estrella de la RKO en ganar un Oscar interpretativo, por su trabajo en 'Gloria de un día' (1933) de Lowell Sherman. Selznick también realizó una prueba de cámara al bailarín de Broadway Fred Astaire, y lo contrató en exclusividad para la RKO. También fichó a Max Steiner, considerado el mejor compositor de los primeros años del cine sonoro, que pondría música a más de 100 títulos de la RKO.

Pero el mayor éxito de David Selznick como jefe de producción de la RKO fue la monumental 'King Kong' (1933) dirigida por Merian C. Cooper. Selznick había contratado dos años antes a Willis O'Brien, el mejor técnico en efectos especiales de la época, experto en técnicas de animación, para un proyecto titulado 'Creación' que quedó inacabada. Para 'King Kong' se utilizaron muchas de las marionetas empleadas en 'Creación', como dinosaurios con armazón de acero y musculatura de latex. El gorila que aparentaba en la gran pantalla una altura de 15 metros, era en realidad un muñeco miniatura de sólo 45 centímetros que se movía en decorados diminutos. Aparte se creó una cabeza para los primeros planos y una mano gigante donde colocar a la actriz.

Las tomas con personajes reales se filmaron en los estudios de la RKO en West Washington Boulevard, en el condado de Los Angeles, donde se construyó la famosa aldea de los nativos de la isla a donde llegaban los expedicionarios, o una falsa cubierta de barco para las tomas del supuesto viaje por mar (es la misma localización donde se rodaría 'ET' 50 años después). La escena de King Kong encadenado en un teatro se rodó en el Shrine Auditorium de Los Angeles. Y se tomaron abundantes tomas de exteriores en Bronson Canyon, California, para incluirlas en algunas secuencias de la selva.

El resultado fue fascinante para el cine de la época, y animó a la RKO a producir una secuela el mismo año, 'El hijo de Kong'. Tras este enorme éxito, David Selznick decidió abandonar la RKO para probar suerte por libre creando su propia productora (la Selznick International Pictures). Su sustituto como jefe de producción de la RKO fue Merian C. Cooper, el hombre que había dirigido 'King Kong'.

Cooper dio continuidad al estilo de trabajo de Selznick, y potenció el género de la "screwball comedy" (comedia de enredo), un género barato pero de calidad, contando con directores como William Seiter, John Cromwell, o Howard Hawks. Y contrató nuevas estrellas como Ginger Rogers (a la que emparejó con Fred Astaire, creando otro de los sellos inconfundibles del estudio), Barbara Stanwyck o Charles Laughton.

Tras la salida de Cooper a finales de los años 30, y al contar con menos dinero que otros grandes estudios, la RKO empezó a acelerar la producción de películas de serie B: para los westerns de serie B contó con la figura estelar de George O'Brien, y para las comedias de serie B contrató a la estrella mexicana Lupe Vélez. También adquirió los derechos de 'Tarzán' de la M-G-M y contrató a Lex Barker para ser el nuevo Tarzán.

Pero el gran tanto que se anotó la RKO en esta época fue la contratación de Orson Welles, pocos meses después de que este representara por la radio la famosa 'Guerra de los mundos'. La RKO otorgó a Welles plena libertad para escribir, producir y dirigir, y el mejor producto que salió de ese acuerdo fue 'Ciudadano Kane' (1941), probablemente la mejor película de la RKO.

En esa segunda mitad de los años 30 y primera mitad de los años 40, la RKO destacó por su línea progresista y relativamente radical. Descubrió nuevos actores como Robert Ryan, Gloria Grahame o Jane Greer, produjo abundante cine negro con Robert Mitchum como gran estrella (Mitchum fue la respuesta de la RKO al Humphrey Bogart de la Warner Bros.), y contrató a directores comprometidos como Edward Dmytryck, Nicholas Ray o Jacques Tourneur. El estudio continuó produciendo peliculones como 'Retorno al pasado' o 'Encrucijada de odios', pero muchos de sus profesionales de mayor talento, caso del propio Dmytryck o el productor Adrian Scott, fueron incluídos en las listas negras del macarthismo, lo que supuso un duro golpe apra la RKO.

En 1948, el estudio pasó a manos del excéntrico industrial multimillonario Howard Hughes. Una de las priemras decisiones de Hughes fue prescindir de los dos mejores productores del estudio, Dore Schary (que se marcharía a la Metro a hacer historia) y Peter Rathvon. Con sus modos caprichosos y temerarios, en poco más de cinco años, Hughes llevó a la RKO al caos y a su desaparición. La RKO dejó de producir en 1953, y fue vendida a Desilu Productions. Fue disuelta en 1957, su stock fílmico fue adquirido por la NBC-TV, y sus terrenos y platós pasaron a ser utilizadas la unidad televisiva de la Paramount.

La inolvidable primera aparición de King Kong en la pantalla. Impresionante los planos que recogen el momento en que los nativos cierran la enorme puerta de la muralla.

Una nueva selección de fotos de Dolores Del Río, "the stunning mexican beauty".

De su extensa filmografía muda y sonora, estas serían las mejores pelis, esas que hay que ver: 'El precio de la gloria' (1926) de Raoul Walsh; 'Ramona' (1928) de Edwin Carewe; 'Los amores de Carmen' (1928) de Raoul Walsh; 'La bailarina de la ópera' (1928) de Raoul Walsh; 'Ave del Paraíso' (1932) de King Vidor; 'Volando hacia Río' (1933) de Thornton Freeland; 'Madame DuBarry' (1934) de William Dieterle; 'Por unos ojos negros' (1935) de Lloyd Bacon; 'Estambul' (1942) de Orson Welles; 'María Candelaria' (1944) de Emilio Fernández; 'El fugitivo' (1947) de John Ford; 'Estrella de fuego' (1960) de Don Siegel; y 'El gran combate' (1964) de John Ford.

Rodolfo Valentino y Vilma Banky en la controvertida escena de la "violación" en 'El hijo del caíd' (1926).

Tributo fotográfico a Joan Crawford. La estrella con más glamour. Icono de la banalidad y el artificio, que mediante una ostentación exagerada supo provocar un atractivo sofisticado. Ideal para papeles de amante explosiva, víctima, y demente.

Una recomendación: El caso de Lucy Harbin (1964) de William Castle. Ayer volví a ver esta disturbadora película, un clásico del cine malsano, que pertenece a la etapa más "camp" de Joan Crawford, la que la convirtió en icono pop para las generaciones más jóvenes con títulos como este o las posteriores 'El circo del crimen' o 'Trog', muchos de los cuales financiaba ella misma.

Para hacer esta peli, la ex-estrella, a la que ya se le había ido la cabeza hacía tiempo pensando que el mundo se seguía parando cada vez que ella respiraba, pidió que el guión fuera completamente re-escrito para adaptarlo a las especificaciones que ella diera, y ordenó que despidieran a la co-protagonista Anne Helm porque se veía demasiado joven y explosiva. También exigió que el papel del médico no lo interpretase ningún actor, sino el vicepresidente de la Pepsi-Cola, hombre de su total confianza, y exigió que productos de Pepsi-Cola aparecieran bien visibles en diferentes planos por toda la casa (la actriz había heredado de uno de sus maridos un asiento en el consejo de administración de la Pepsi, y se lo tomaba muy en serio).



Un documento insólito. Joan Crawford pasando las pruebas de vestuario y maquillaje para esta película.

En este video podemos ver varias pruebas de cámara que se hicieron entre 1937 y 1938 a diferentes actores que habían superado las primeras audiciones para los papeles principales de 'Lo que el viento se llevo'. Entre otras, podemos ver a jovencitas que entonces eran totalmente desconocidas como Susan Hayward o Lana Turner, o a las tres finalistas para el papel de Escarlata, Joan Bennett, Jean Arthur, y Paulette Goddard, la única que llegó a hacer una prueba en technicolor, y por supuesto Vivien Leigh.

Joan Fontaine en 'Rebeca' (1940) de Alfred Hitchcock. La humilde dama de compañía de una señora americana que conoce y se casa con un aristócrata inglés que lo lleva a su residencia inglesa, una mansión que es como la encarnación de su difunta esposa.

David Selznick era un gran admirador de las películas que Alfred Hitchcock había dirigido en Inglaterra. Había quedado particularmente impresionado por 'Alarma en el expreso' (1938), y se decidió a animar al director a que diera el salto de Inglaterra a Hollywood, contratándolo para su joven estudio, la Selznick International Pictures. El contrato era en principio para una sóla película, por 50,000 dólares, y Selznick tenía en mente una gran superproducción en clave de melodrama situado en el hundimiento del 'Titanic' que quería que Hitchcock dirigiera (lo que vimos 57 años después).

El proyecto no prosperó por las presiones de la industria naviera que temía que el público cogiera miedo a utilizar barcos. Así que tras valorar varias ideas nuevas, Hitchcock propuso a Selznick llevar al cine el best-seller británico 'Rebeca' de la escritora Daphne Du Maurier. Hitchcock aseguró al productor que con esa historia podía hacer un thriller neogótico que combinara su gusto por el terror psicológico y la morbosidad, con el gusto de Selznick por el drama y el romance que tan bien funcionaban en la época.

Selznick compró los derechos de la novela, y como andaba muy ocupado en la post-producción de su gran obsesión 'Lo que el viento se llevó', dejó en un primer momento en manos de Hitchcock todos los detalles creativos. Joan Harrison, estrecha colaboradora de Hitchcock, empezó a escribir el primer borrador del guión, que incluía flash-backs con el personaje de Rebeca. Pero en cuanto Selznick terminó 'Lo que el viento se llevó' y se metió de lleno en 'Rebeca', empezó a limitar la libertad de Hitchcock; contrató un nuevo guionista de altos vuelos, Robert Sherwood, ganador de un Pulitzer, y ordenó que el guión se ajustase lo más posible a la novela, descartando los flash-backs.

Selznick tampoco dejó lugar para los habituales toques de humor de Hitchcock, y abortó sus deseos de retratar más en profundidad el estilo de vida británico. También chocaron en la selección del director de fotografía: Hitchcock quería a Harry Stradling, pero a Sleznick no le había gustado cómo había fotografiado este en una película anterior a su estrella Ingrid Bergman; Selznick impuso a George Barnes, que también gustaba a Hitch. Resumiendo, Selznick tendría todo el poder sobre el guión y la post-producción, y Hitchcock tendría el control sobre los aspectos técnicos y visuales.

La selección del reparto tampoco fue sencilla. Para el papel de Maxim De Winter, Hitchcock pensaba en Robert Donat, pero Selznick prefería a Leslie Howard, Melvyn Douglas o William Powell. Finalmente optaron por Laurence Olivier después de ver su gran interpretación en 'Cumbres borrascosas' (1939) de William Wyler. Más complicada fue la selección de la actriz que interpretaría a la nueva señora De Winter, personaje que debía llevar el peso de la película. La primera candidata fue Vivien Leigh, que tenía contrato con el estudio y había sido descubierta (llevada a Hollywood) por Selznick. Era además en la vida real la esposa de Laurence Olivier. Leigh hizo una audición con Olivier, pero a Selznick no le gustó el resultado; el personaje debía ser tratado con desdén por su marido, y eso no era lo que transmitía la pareja Leigh-Olivier.

La segunda opción era Nova Pilbeam, que había sido actriz fetiche de Hitchcock en Inglaterra. Selznick quería aprovechar la circunstancia para llevarla a Hollywood e incluírla en la nómina de estrellas de su estudio. Pero Hitchcock se empeñó en que quería a una actriz americana, no quería a una inglesa: Hitchcock quería que todos los actores fuesen ingleses menos la protagonista femenina, porque su idea era que la actriz se sintiera incómoda, alienada en un ambiente extraño, al igual que el personaje.

Se sometió a pruebas de cámara y audiciones a un total de 31 actrices. Las pruebas fueron dirigidas por el propio Hitchcock, ayudado por otros dos directores contratados en aquella época por Selznick, John Cromwell y Anthony Mann. Las que mejor impresión dejaron fueron Loretta Young, Margaret Sullavan y una jovencísima Anne Baxter. De todas ellas, Hitchcock se decantó por Margaret Sullavan, pero de nuevo intervino Selznick para hacer prevalecer su criterio: Selznick propuso a la semi-desconocida Joan Fontaine, que se la había recomendado su amigo George Cukor. Fontaine era una jovencita de 21 años que no había destacado por sus anteriores papeles, y que sólo era conocida por ser la hermana pequeña de la estrella de la Warner Bros. Olivia de Havilland, una vieja obsesión de Selznick.

Para resolver el conflicto, Anne Baxter surgió como una opción de consenso propuesta por el resto del equipo. Pero Selznick descartó a Baxter por ser demasiado joven (18 años) y demasiado difícil de fotografiar, y eliminó a Sullavan por considerar que tenía demasiada personaldiad, "imaginaos a Margaret Sullavan siendo inducida al suicidio por la ama de llaves, no es creíble". Se hizo una prueba a Joan Fontaine, a Hitchcock le gustó la chica y la aceptó.

El rodaje comenzó en septiembre de 1939 en los antiguos estudios de la RKO en Culver City, California, donde se había rodado 'Lo que el viento se llevó' un año antes. Los decorados de 'Lo que el viento se llevó' fueron sustituídos por 40 nuevos decorados diseñados por Lyle Wheeler, 25 de ellos interiores. El rodaje tenía que durar sólo 36 días, pero hubo un leve retraso debido a que, ese mismo mes de septiembre del 39, Hitler invadió Polonia e Inglaterra declaró la guerra. Aunque el rodaje fuese en California, la mayoría del reparto y el propio Hitchcock eran ingleses, por lo que estaban preocupados por lo que pudiera pasar con sus familias al otro lado del océano, siendo ese el principal motivo de los retrasos.

La relación entre Laurence Olivier y Joan Fontaine fue penosa. El actor aprovechaba la mínima ocasión para mostrar su malestar poque no hubieran contratado a su mujer, Vivien Leigh. Ese desagrado existente en el trato entre los dos actores facilitó a Olivier la expresión de displicencia que su personaje debía manifestar hacia su esposa. Y también ayudó a que Joan Fontaine se mostrara nerviosa, tímida, triste y cada vez más decaída, tal y como exigía el guión. Hitchcock trató en todo momento de exacerbar esa situación, para hacer que la actriz se sintiera incómoda y marginada: le organizó una fiesta de cumpleaños a la que intencionadamente no invitó al resto del reparto, o le daba días libres a Laurence Olivier, mientras a ella le hacía quedarse para repetir tomas, para aumentar su inseguridad.

El resultado fue un éxito. Joan Fontaine fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz, y la película ganó el Oscar a la Mejor Película, derrotando a auténticos peliculones como 'El gran dictador' de Charlie Chaplin, 'Historias de Philadelphia' de George Cukor, 'La carta' de William Wyler, o 'Las uvas de la ira' de John Ford. Fue el segundo Oscar consecutivo para una producción de la Selznick International Pictures después de que el año anterior se lo llevara también con 'Lo que el viento se llevó'. Hitchcock firmó un contrato para hacer diez películas con Selznick (aunque sólo llegó a hacer dos más), con la posibilidad de ser cedido a otros estudios (RKO y Universal principalmente) a cambio de sustanciosos emolumentos.

La película tuvo que sufrir a la censura. Toda referencia explícita a la relación homosexual que había existido entre la ama de llaves (y la primera señora De Winter (Rebeca), fue eliminada de los diálogos por el código de producción. Pero Hitchcock era el mejor en saltarse la censura sin que esta se diera cuenta, y pudo proyectar por otros caminos esa perversión sexual.

En esta famosa escena del video, queda en evidencia el enfermizo amor de la ama de llaves por Rebeca, destaca la referencia a la ropa interior de Rebeca, hecha por las monjas del convento de Santa Clara, una referencia cándida para la censura, pero que no deja de tener su lado pervertido; el vestuario de la ama de llaves, inspirado en la sotana de un cura católico; el acariciar y meter la mano en la lencería; o el momento del tocador, donde se ve que Hitchcock debilita la luz inferior para exagerar el sentimiento de repulsión que en ese momento expresa la pobre Joan Fontaine.



La secuencia de apertura. El recorrido desde la entrada por el camino de tierra que conduce a la mansión Manderley se filmó sobre una pequeña maqueta manipulada.

Esta noche en TVE-2 (a las 00:40 horas) ponen 'La vuelta al mundo en 80 días' (1956) de Michael Anderson. Una espectacular superproducción épica en technicolor producida por el productor de Broadway Mike Todd (uno de los maridos de Elizabeth Taylor) en colaboración con la United Artists, y rodada en el sistema Todd-AO, que permitía una extraordinaria calidad de imagen en formato panorámico. Se utilizaron más de 68,000 extras en total, más de 36,000 piezas de vestuario, y más de 8,000 animales entre ovejas, caballos, búfalos, monos, toros, elefantes, etc.

6 millones de dólares costó la producción, el doble de lo estimado. Aunque resulte increíble viendo la peli, la mayor parte de la cinta está rodada en Hollywood, o en su defecto en California. Se utilizaron 140 escenarios construídos en el interior de seis estudios de Hollywood, destacando el uso de los viejos estudios de la RKO en Grower Street, Los Angeles, para gran parte de los interiores, o el set de rodaje de Lone Pine, en California, donde se filmó el famoso vuelo en globo sobre los Pirineos; todas las partes del viaje en barco se rodaron en el enorme tanque de agua de los estudios de la Twentieth-Century-Fox en Burbank, California, que Todd tomó prestado por unos días.

También se rodaron partes de la peli en Inglaterra, Francia y España. La famosa escena de la plaza de toros se filmó en Chinchón, un pueblo cercano a Madrid, utilizando a 10,000 extras españoles (6,500 de ellos eran toda la población de Chinchón colocada en la plaza de toros). Por cierto, la mayoría del material rodado en la parte del viaje que corresponde a España, fue bajo la dirección de John Farrow, el primer director de la película, que fue despedido a las pocas semanas por Todd y sustituído por el más manejable Michael Anderson.

El reparto es espectacular. Además de los tres protagonistas, David Niven (Todd quería a Cary Grant y esperó una respuesta suya sin éxito durante 6 meses), Cantinflas (la estrella latina más rentable de la época), y Shirley McLaine (era su tercera película), la película cuenta con pequeños cameos de un montón de estrellas como Buster Keaton, Frank Sinatra, Charles Boyer, Cesar Romero, George Raft, Fernandel, John Carradine, el torero Luis Miguel Dominguín, Ronald Colman, Victor McLaglen, el bailarín español José Greco, Peter Lorre, Trevor Howard, el periodista Ed Murrow, o una Marlene Dietrich que aparece con un vestido que costó 300,000 dólares.

La película ganó 5 Oscars, incluído el de Mejor Película, derrotando a 'Gigante' de George Stevens, 'Los diez mandamientos' de Cecil B. De Mille, 'El Rey y yo' de Walter Lang, y 'La gran prueba' de William Wyler.

Esta noche en ETB-2 (lo siento por los que no tengan ETB-2), a las 22:00 horas, y sin cortes de publicidad, ponen 'Crimen perfecto' (1954) de Alfred Hitchcock. La historia del marido que planea el asesinato de su esposa infiel para hacerse con su fortuna.

Esta fue la sexta y última película de la etapa en que Hitchcock estuvo bajo contrato con la Warner Bros. (antes había realizado para el estudio 'La soga', 'Atormentada', 'Pánico en la escena', 'Extraños en un tren' y 'Yo confieso'). A petición de Hitchcock, Jack Warner, jefe de producción de la Warner, accedió a comprar los derechos de una obra de teatro policíaca de Frederick Knott, bajo la condición de que Hitchcock la rodase en el nuevo formato 3-D que el estudio quería probar, un proceso visual que requería que el público usara unas gafas especiales para ver la película.

Hitchcock ya venía haciendo revolucionarios experimentos técnicos en otras películas de su etapa en la Warner, con tomas largas o planos-secuncia únicos, y Warner quería que experimentara con el 3-D. Al director este experimento le parecía más una moda pasajera que una verdadera posibilidad cinemática, pero accedió a hacerlo a pesar de que Warner no respetase su principal petición: contar con Cary Grant en el papel del marido. Warner pensaba que el formato 3-D ya sería reclamo suficiente para atraer al público a las salas, y no vio necesario gastar dinero en tomar prestados los servicios de un actor tan caro, y el papel fue para Ray Milland.

El capricho de Hitchcock para el papel femenino resultó más ausmible para Warner. El director quería a Grace Kelly, una joven actriz de 24 años a la que había visto en una prueba de cámara, y que todavía era relativamente desconocida (recién había rodado 'Mogambo' y 'Sólo ante el peligro' pero aún estaban por estrenarse). Grace Kelly estaba contratada por la Metro-Goldwyn-Mayer, pero Warner accedió a pedirla alquilada por un precio razonable. Esta sería para ella la primera de tres películas con Hitchcock (después harían para la Paramount 'La ventana indiscreta' y 'Atrapar a un ladrón').

El rodaje duró sólo 36 días entre agosto y septiembre de 1953. Hitchcock quiso rodar en Londres, pero Warner se opuso frontalmente a que la única cámara de 3-D que tenía el estudio (una cámara de dimensiones descomunales, pos cierto) saliera de Hollywood. Así que se rodó en el complejo de Warner Boulevard en Burbank, California. Se contó con un presupuesto limitado, ya que gran parte se lo llevaba el proceso visual, pero Hitchcock supo sacar provecho a las limitaciones: rodó en un espacio lo más pequeño y cerrado posible, explotando al máximo las posibilidades de un apartamento, con una puesta en escena que enfatizaba los aspectos teatrales, para transformar una intriga criminal rutinaria en un tenso thriller psicológico.

Es la película perfecta para valorar el talento incomparable de Hitchcock. Lo que este hombre era capaz de hacer sólo con 3 o 4 personajes, una llave, una gabardina, unas cortinas, un teléfono, un camisón, unas tijeras, y nada más. Cuantos menos recursos a su alcance, mayor es su obra.

El momento cumbre de la peli, una de las mejores vueltas de tuerca en la filmografía de Hitchcock. El intento de asesinato rodado como si fuera una escena de amor coital. De una ejecución tan simple y elegante, como de una destreza técnica compleja y sofisticada.

Un trocito de la prueba que hizo Vivien Leigh en 1939 para el papel protagonista de 'Rebeca'. Está claro que no encaja. No parece una chica aburrida, ni anulada, ni enfermiza. Demasiada fuerza.